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Un incontro con l'ARTE...
"Tutto il lavoro Jurga affascina, la sua vitalità, l'incredibile fedeltà degli atteggiamenti, le espressioni, il grande senso dell'umorismo, il calore e la semplicità. Queste sono gli evidenti echi di una scultura di successo che è rappresentativa e contemporanea allo stesso tempo. Come non soccombere al suo fascino, il calore terracotta con la superficie ruvida che mostra tanta umanità? Come resistere alla saga di caratteri espressa con tale forza evocativa, piena di semplicità, tenerezza, gioia o tristezza? Le espressioni, i gesti e gli atteggiamenti riflettono una profonda comprensione degli esseri umani indipendentemente dalla loro età o condizione sociale. E questo è ciò che rivela il talento e la disciplina la immortala nella scultura". (André Ruellan , critico d'arte)
JURGA MARTIN
Jurga Martin è una giovane artista nata a Vilnius (Lituania) nel 1977, che ora abita a Rouen (Francia). Scultore e designer, ha fondato un' azienda semplicemente come "Jurga" che ha guadagnato il Gran Premio Hall of Rouen nel 2005.
L'influenza del lavoro di Chaïm Soutine, artista di origine lituana, che si stabilì in Francia, la cui pittura enigmatica riflette una vita disordinata ma entusiasmante, è il punto di partenza per comprendere l'opera di questa scultrice."A volte mi aggrappo alla sua pittura per soffrire, a volte mi metto al posto dei suoi personaggi. Come se vivessi le loro vite. A volte mi lascio andare e poi vedo i personaggi cambiano le loro posizioni ed espressioni ... essere in grado di andare da qualche parte ...Quale Universe ... Mi dispiace non poter vivere lì."(Jurga)
Il fango come materia prima utilizzata nelle sue creazioni, comunica con lo spettatore. Attraverso le loro mani è in grado di esprimere "parole" senza essere pronunciate. Dal momento in cui tocca la materia, le fa emettere energia, il suo entusiasmo viene trasmesso e dà carattere alle sue figure, che possono essre descritte solo in un modo "vive"... vivaci, uniche e belle. Inoltre, la sensazione dell' incompiuto dà le sue sculture l 'umanità.
Ma, perché il mondo dei bambini è il tema più ricorrente per Jurga Martin? La risposta è pieno di ogni logica. La vita dei bambini è semplice, senza problemi o complicazioni e un materiale semplice come l'argilla permette ogni sorta di possibilità, anche se l'espressività dei suoi gesti infantili è molto più difficile da intagliare a causa della varietà di sfumature che presentano. Esprimono sentimenti, umorismo, fascino, umanità, serenità e semplicità. Quindi è impossibile non soccombere alla bellezza di un lavoro che evoca la tenerezza, la gioia, la vicinanza, e talvolta anche la tristezza."Il dialogo con la scultura mi perseguita. È un dialogo che non è necessariamente espresso a parole, ma attraverso gli occhi e le mani. A volte temo non riesca, che non si ricordi di me. Allora guardo negli occhi, poso le mani per sentire quello che mi dice la scultura. Se lei non parla, non è viva. Questo è il mio lavoro: far parlare." (Jurga Martin)
Edited by gheagabry1 - 21/1/2022, 21:02
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GREGOR GAIDA
Le sculture di Gregor Gaida hanno qualcosa di quasi irreale, in loro il surrealismo è potente, vi è trasfigurazione, simbolo e narrazione; crea sculture incredibilmente emotive in cui anche gli elementi: legno, resina e cemento si fondono senza perdere la loro natura contrastante. Le sue opere riflettono la natura umana in una forma grezza, passionale, allegra, arrabbiata, isolata. Ogni pezzo è immacolato, disegnando un equilibrio splendido tra alabastro lucido e ruvida tela cucite. L’utilizzo minimo di mono-cromatico vernice e posture non tradizionali concedono allo spettatore uno spaccato di vita voyeuristica, il senso della espressione umana.
I suoi soggetti possono essere visti come istantanee tridimensionali, con protagonisti immaginari che lottano e si muovono, estratti e lontani dal loro cornice originale di azione.
(madenovatio.com)
Edited by gheagabry1 - 29/1/2022, 18:59. -
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«La scultura è ciò contro cui si va a urtare quando si
indietreggia per guardare un quadro da più distante»
(Bernett Newman)
ANTONELLA ZAZZERA
Queste sculture, strutture complesse che trovano sistemazione tanto a terra quanto a parete e che recentemente sono state adagiate anche sull’acqua, sono costituite da incommensurabili sedimentazioni di filo del più noto tra i conduttori di energia. Il legame di queste sculture dalle forme primarie, naturali e in stretta relazione con il corpo dell’artista tanto da assumerne le proporzioni, con una certa pittura è palese; con quella di Segantini, di Balla o di Dorazio per esempio, tanto che la loro superficie ci appare come un campo di forze che si aggregano e si respingono come le pennellate in una tela divisionista. Nel loro lento, analitico e sistematico prodursi, queste morbide trame sono distinte e disegnate da zone di respiro e da altre di massima saturazione che suggeriscono la possibilità di spazi altri interni all’opera, anfratti inesplorabili in cui l’unica presenza ipotizzabile e palpabile è quella della luce. (Federico Sardella)
È come se non ci fosse un prima e un dopo, un inizio e una fine nel lavoro di Antonella Zazzera. Il suo fare si situa in una dimensione fluida, dove i confini sono evanescenti, incerti: non necessari. Così il segno – quel segno che lei stessa definisce “segnotraccia” – incontra il rame nella sua stessa propensione, naturale e necessaria, a farsi esperienza scultorea. Antonella, attraverso il rame, esplora il divenire, ripartendo dal grado zero, da quel gesto archetipico e ancestrale di intrecciare pazientemente il filo di diverso e spessore e gradazione cromatica mediante un processo lento di sovrapposizione e sedimentazione che riporta la materia al tempo. Il tempo dell’esperienza e della memoria. Nel paradosso magico della creazione l’opera si rivela al suo autore nel fare, così che la vocazione alla forma è solo apparente e fuorviante: ancora una volta non necessaria. Perché è nel più accidentale incontro della forma con la luce che l’opera svela la sua vera essenza. E altre radici ancora si individuano a nutrire il suo “segnotraccia”: il neon di Fontana che si libra nell’aria e si fa spazio di scultura, il segno-scrittura che traghetta l’informe oltre l’informale, a rimettere in discussione i confini fra i linguaggi, gli orizzonti geografici. Come avviene nelle sculture e nelle carte di Antonella che vivono nel bilico, o meglio nella continuità – di pieno e di vuoto, di ombra e di luce –, in quella “curva” che lei stessa definisce fondativa del suo fare. A unire terra e cielo, sé e mondo. (Lara Conte )
Edited by gheagabry1 - 29/1/2022, 19:07. -
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MOTOHIKO ODANI
Il suo stile è unico per espressione e senso estetico. Molto conosciuto sia in Asia che in Europa, per la costante crescita professionale che lo conduce verso l’analisi degli stati psicologici, come paura e sofferenza, scomposti e ricomposti a suo piacimento. Così come le sensazioni fisiche, utilizzate con criterio per risvegliare abilmente i pensieri latenti e le emozioni ancestrali dei suoi spettatori. Un abito fatto di capelli, una giovane e misteriosa ragazza, lo spettro di un samurai. Immagini complesse che lasciano ampio spazio all’interpretazione, intrise di un fascino inquietante, in eterno bilico tra bellezza sconvolgente e tetra bruttezza, tra la vita e la morte, lo spirituale e il terreno. Le sensazioni più effimere e i fenomeni più difficili da spiegare come la gravità, la fluttuabilità, la rotazione e la flessione. Riversati in una genuina espressione artistica, ricca di significati e significanti, una scultura che sfida e trascende il concetto di fisicità e fissità nel tempo. Opere realizzate con i materiali più innovativi e ultraleggeri. Gioca coi sentimenti, con le emozioni e con le contraddizioni in essi implicite. Quindi il brutto estremo e la bellezza eccessiva, la serenità e la paura, la vita e la morte… la dolcezza e l’ostilità, il bene e il male…
Edited by gheagabry1 - 29/1/2022, 19:42. -
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BEN YOUNG
Ben Young realizza sculture di vetro ispirate alla sua passione per la natura, l’oceano e la ricerca dell’onda perfetta. Attualmente vive in Australia per dedicarsi all’esaltazione delle sue passioni. L’oceano gioca un ruolo fondamentale nella sua opera perchè da surfista appassionato ha scelto il vetro e il cemento per rappresentare ciò che più ama e i posti che più ha frequentato. Le sue sculture sono realizzate sovrapponendo lastre di vetro tagliate e assemblate interamente a mano. Ogni pezzo è unico e realizzato senza l’utilizzo di macchinari appositi per il taglio del materiale. É molto interessante il fatto che ottenga un prodotto tridimensionale utilizzando di fatto solo materiali bidimensionali che una volta assemblati e composti in un solo blocco danno un risultato fantastico che cattura l’attenzione per la sua complessità. Si tratta di vere e proprie porzioni di terra in sezione. La luce che attraversa il vetro rende la scultura diversa ogni volta.
Edited by gheagabry1 - 29/1/2022, 19:51. -
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. ALI e NINO
Un amore impossibile e potentissimo quello che sta alla base dell'enorme scultura firmata da Tamara Kvesitadze che si erge maestosa sulla spiaggia di Batumi, in Georgia.
Le due statue, alte circa 8 metri, rappresentano due innamorati che si guardano; ogni giorno alle 19 iniziano però un lentissimo movimento che le porta dopo alcuni minuti ad avvicinarsi per quello che sembra essere un bacio dolcissimo. Gradualmente però il contatto diventa una fusione fino a che le due figure si attraversano letteralmente e continuano ognuna il loro tragitto.
L'opera prende le mosse dal romanzo Ali and Nino: A Love Story di Said Kurban, che narra di un ragazzo musulmano e una principessa georgiana legati da un amore tanto forte quanto impossibile da vivere a causa delle differenze religiose e di etnia.
Edited by gheagabry1 - 29/1/2022, 19:53. -
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. "Fin dall'inizio ho realizzato sculture consapevolmente, per prendere possesso della realtà, per difendermi, nutrirmi e crescere; crescere, guadagnare forza, essere il più libero possibile, cercare di vedere e capire meglio il mio ambiente, sforzarmi troppo, osare prendere le mie avventure, scoprire nuovi mondi, combattere la mia lotta, divertirmi? per la gioia della battaglia? per divertimento a vincere e perdere. "
MALGORZATA CHODAKOWSKA
STATUE D'ACQUA
L'artista di origine polacca lavora principalmente in legno e bronzo ed è ben noto per l'equilibrio seducente delle sue figure.
Chodakowska solleva la sua arte artigianale in legno e bronzo nel magico mondo dell'esperienza in cui l'equilibrio tra bellezza e perfezione produce la tensione più bella. Le sue figure angeliche irradiano un'autorità di tipo paradisiaco, intrigante e irresistibilmente attraente. La suggestione della perfezione, l'energia stimolante di una seduzione altrettanto potente quanto sommessa.
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. Wim Delvoye
Wim Delvoye (nato nel 1965 a Wervik , nelle Fiandre occidentali ) è un artista neo-concettuale belga noto per i suoi progetti inventivi e spesso scioccanti. Gran parte del suo lavoro è focalizzato sul corpo. Egli collega ripetutamente l'attraente con il ripugnante, creando un lavoro che contiene intrinseche contraddizioni.
Delvoye si considera un creatore di concetti - inizialmente è attratto dalla teoria che sta dietro ai pezzi, invece che dall'atto stesso di dipingere.
Anche se Delvoye iniziò a tatuare pelli di maiale prelevate da mattatoi negli Stati Uniti nel 1992, iniziò a tatuare maiali vivi nel 1997. Delvoye era interessato all'idea che "il maiale sarebbe letteralmente cresciuto di valore" [9] sia in un ambiente fisico che senso economico.In definitiva ha spostato l'operazione in una fattoria d'arte in Cina nel 2004. I maiali sono stati inchiostrati con una vasta gamma di disegni.
Delvoye è anche noto per il suo lavoro in stile " gotico ".
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La ragnatela ghiacciata è una scultura di ghiaccio realizzata per un concorso allo zoo di Helsinki nel 2011.. -
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Mustangs at Las Colinas è una scultura in bronzo di Robert Glen, che decora Williams Square a Las Colinas a Irving, in Texas. La scultura commemora i mustang selvaggi che erano storicamente importanti abitanti di gran parte del Texas.
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Rundle Mall Pigs, Adelaide, Australia. -
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Budapest: Anonymous - La statua, opera di Miklòs Ligeti, si trova di fronte al castello di Vajdhahunyad, nel celebre parco Varosliget. E' una delle statue più amate (e fotografate) di Budapest. Rappresenta un anonimo scrittore / cronachista che scrisse al tempo di Re Bèla, nel XIII secolo, molto importante per aver registrato la storia del periodo, eppure rimasto anonimo. Secondo la tradizione locale, gli scrittori che temono di aver perduto la loro vena, oppure chiunque voglia diventare scrittore, deve recargli omaggio, e toccare la sua penna.
Budapest: Kiskiralylany (Principessina) lungo il Danubio, volutamente ambiguo "sessualmente" sembra un bambino ma forse è una bambina, ricorda molto un Peter pan di bronzo.
Bratislva: Cumil – Questo tipo, che risiede nel Centro Storico, risale solo al 1997, ma gli abitanti di Bratislava e i turisti lo adorano. Ai bambini piace abusare di lui sedendosi sulla sua testa. A seconda delle interpretazioni, è un operaio addetto alla manutenzione delle fogne nell’era comunista, che non si preoccupa di prendersi una pausa e una boccata d’aria in superficie godendosi il passeggio, oppure un guardone che sbircia sotto le gonne delle signore di passaggio.
Bratislva: Schone Naci – La materia delle leggende di Bratislava, Schone Naci fu una nota figura nei primi anni del 20° secolo. Un pover'uomo e malato mentale, si pavoneggiava per le strade di Bratislava con un vestito vecchio, ma elegante – un abito di velluto, accoglieva i passanti con il suo cappello a cilindro e si inchinava cortesemente alle signore che passavano.
Nel 2005 a Breslavia in Polonia viene completato un monumento molto particolare e sorprendente.
Questa scultura è denominata “Passaggio Pedonale” e si trova fra due parti dell’incrocio.
I personaggi scendono nel terreno su un lato dalla via Swidnicka come se andassero in un sottopassaggio (immaginario) e poi compaiono sul lato opposto in via Pilsudska continuando la loro marcia simbolica sulle vie di Breslavia.
Il monumento è composto da 14 figure realizzate in bronzo e rappresentano semplici abitanti della città, la gente comune.
I personaggi sono grigi, ad altezza umana e sono raffigurati con figure anonime come per esempio una vecchia signora che porta la borsa piena di spesa con pane e latte nella bottiglia di vetro come si usava una volta, oppure una mamma che spinge il passeggino o un signore con il cappello che corre con la borsa da lavoro.
Questa grande opera è stata inaugurata a Breslavia nella notte fra 12 a 13 dicembre 2005, per il XXIV anniversario dello Stato d’Assedio in Polonia durante il comunismo. Questa opera è stata realizzata dall’artista polacco: Jerzy Kalino.
Nella Piazza Principale (Hlavné námestie), oltre al soldato napoleonico, troviamo una guardiola con un soldato del XVIII secolo in misura leggermente superiore al reale. L’opera, realizzata e posta nella piazza nel 2006, è stata realizzata dall’artista Marián Prešnajder e dagli architetti Otto Grossman e Juraj Šimek. Intitolata Strážna búdka, ricorda un posto di guardia che si trovava su questa piazza da XVII secolo fino agli anni ’60 dell’800.
La costruzione è in pietra arenaria e marmo, mentre la statua è in bronzo. Sul lato dell’ambasciata giapponese, nel retro della guardiola, c’è una fontanella. Sulla parete laterale è una targa di bronzo, sulla quale è presente un testo che informa sulla storia della guardia cittadina in slovacco e inglese.
CORPO DI GUARDIA DI CITTÀ
1767-1860
Dal XVII al XVIII secolo,
quando fu distrutto dal fuoco,
si trovava nella parte meridionale
della piazza
l’edificio in legno
del corpo di guardia della città.
Una nuova guardia di mattoni
fu costruita dal costruttore M. Walch nel 1767.
Questa guardia barocca
è stata rimossa
dalla piazza nel 1860.
Edited by gheagabry1 - 4/12/2019, 21:17. -
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A Bratislava, lo stesso autore della statua di Schöner Naci ha anche realizzato un’altra presenza immancabile del centro storico, il soldato napoleonico, che indossa il bicorno, copricapo popolare tra ‘700 e ‘800 soprattutto nelle uniformi militari e usato dall’esercito. La statua dello scultore Juraj Meliš, appoggiata su una panchina della Piazza Principale (Hlavné námestie) di Bratislava, porta il bicorno o feluca parallelo alle spalle, proprio come faceva Napoleone per distinguersi dai suoi generali, che invece l’indossavano perpendicolarmente alle spalle. Secondo alcuni la figura raffigurata potrebbe rappresentare un giovane soldato francese che si innamorò di una ragazza locale e rimase a vivere a Bratislava. Johann Evangelist Hubert era originario della regione dello Champagne, e a Bratislava divenne produttore del primo vino spumante della regione, l’Hubert. Egli rimase ferito durante la spedizione francese in Russia, e fu curato in un ospedale militare a Prešporok (Pressburg, ovvero Bratislava) prima di tornare a casa. Qui si prese cura di lui una bella infermiera, Pauline, e i due si innamorarono. Verificando la qualità del vino locale, il giovane Johann decise di avviare nel 1825 la società di spumanti Hubert-Champagner Fabrik. L’esercito napoleonico entrò in città due volte, la prima volta nel dicembre 1805, quando marciarono per le strade 300 cavalieri e 9.000 soldati di fanteria. Allora, il 26 dicembre, la la Sala degli Specchi nel Palazzo del Primate fu testimone della firma dell’armistizio tra Francia e Austria dopo la battaglia di Austerlitz. La seconda volta quattro anni dopo, nel 1809, quando anche lo stesso Napoleone entrò in città e fece esplodere il vicino castello di DevÍn. Una nera palla di cannone incastonata sulla facciata della torre dell’orologio, nella stessa piazza, ricorda ancora oggi i bombardamenti sulla città dei napoleonici appostati sulla riva meridionale del Danubio. Tutti gli anni nel mese di giugno si tiene in città una rievocazione storica della battaglia per la presa di Bratislava tra l’esercito francese e le armate dell’impero austroungarico.
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Pieter Vanden Daele
Pieter Vanden Daele è uno scultore belga noto per le sue grandi sculture in bronzo di pesci, rane e specie acquatiche.
Ciò che Vanden Daele scolpisce il suo modello originale con materiali organici come foglie, legno, pelle, cera e molti altri materiali. I bordi grezzi e i colori dei bronzi danno vita alle bellissime sculture.
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J.ISABELLE CORNIERE
Chi esplora il tema dell'infanzia, della memoria e del tempo, il lavoro dell'artista francese J. Isabelle Cornière è meravigliosamente delicato. Il suo lavoro ha temi regolari tra cui bolle d'aria, pesci rossi e palloncini.
Ciò che Cornière crea le sue eleganti sculture in bronzo, ricoperte di gesso bianco senza tempo che viene poi dipinto a mano e spesso abbinato a delicati accessori in vetro.
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