PAOLO UCCELLO

Paolo di Dono, detto Paolo Uccello (Pratovecchio, 15 giugno 1397 – Firenze, 10 dicembre 1475), è stato un pittore e mosaicista italiano. Fu tra i protagonisti della scena artistica fiorentina della metà del XV secolo.

Secondo quanto racconta Vasari nelle sue Vite, Paolo Uccello «non ebbe altro diletto che d'investigare alcune cose di prospettiva difficili e impossibili», sottolineando il suo tratto più immediatamente distintivo, cioè l'interesse, quasi ossessivo, per la costruzione prospettica. Questa caratteristica, unita con l'adesione al clima fiabesco del gotico internazionale, fa di Paolo Uccello una figura di confine tra i due mondi figurativi, secondo un percorso artistico tra i più autonomi del Quattrocento.

Formazione alla bottega di Ghiberti - Era figlio di un chirurgo e barbiere, Dono di Paolo di Pratovecchio, cittadino fiorentino dal 1373, e della nobildonna Antonia di Giovanni del Beccuto. Ad appena dieci anni, dal 1407 e fino al 1414 fu, assieme a Donatello ed altri, nella bottega di Lorenzo Ghiberti, impegnata nella realizzazione della porta est del battistero di Firenze (1403-1424), ora collocata sul lato nord. In questo periodo nacque l'uso del soprannome "Uccello" dovuta all'abilità nel riempire i vuoti prospettici con animali, in particolare uccelli. Iscritto alla Compagnia di San Luca nel 1414, si immatricolò l'anno successivo, all'Arte dei Medici e Speziali. Dal Ghiberti dovette apprendere quel gusto per l'arte tardo gotica, che fu una delle componenti fondamentali del suo linguaggio. Si trattava di stilemi legati al gusto lineare, all'aspetto mondano dei soggetti sacri, alla raffinatezza di forme e movenze e all'attenzione verso i dettagli più minuti, all'insegna di un naturalismo ricco di decorazioni.

Le opere di questi anni sono piuttosto oscure, o perché perdute, o perché improntate a un gusto gotico tradizionale che si fa fatica ad abbinare ai lavori della maturità, con attribuzioni ancora recenti e discusse. Come i pressoché coetanei Masaccio e Beato Angelico, le prime opere indipendenti dovettero datarsi agli anni venti.

Per la cappella di Paolo Carnesecchi in Santa Maria Maggiore eseguì una Annunciazione e quattro Profeti (oggi perduta); secondo il Vasari affrescò una nicchia nello Spedale di Lelmo con Sant'Antonio abate tra i santi Cosma e Damiano e nel monastero di Annalena due figure; opere tutte perdute.

Di questi anni è anche l'affresco con la Madonna col Bambino (Firenze, Museo di San Marco) che si trovava in una delle case dei Del Beccuto, la famiglia della madre.

Il viaggio a Venezia - Tra il 1425 e il 1430 soggiornò a Venezia dove fu impegnato a dei mosaici perduti (un San Pietro) per la facciata della Basilica di San Marco e forse a alcune tarsie marmoree per il pavimento basilicale. Longhi e Pudelko gli hanno attribuito anche il disegno dei mosaici della Visitazione, Nascita e Presentazione al Tempio della Vergine della Cappella dei Mascoli in San Marco, eseguiti da Michele Giambono: le tre scene, attribuite dalla maggior parte della critica al disegno di Andrea del Castagno, attivo qualche anno dopo in città, presentano un disegno prospettico di una certa complessità.

L'esperienza veneziana accentuò la sua propensione a rappresentare evasioni fantastiche, ispirate probabilmente ai perduti affreschi di Pisanello e Gentile da Fabriano in Palazzo Ducale, ma lo allontanò da Firenze durante un periodo cruciale per gli sviluppi artistici: nel 1423 l'Adorazione dei Magi di Gentile da Fabriano aveva infatti segnato il trionfo dello stile "internazionale" in città, ma pochi anni dopo l'esperienza di Masaccio nella Cappella Brancacci (1424-1428) segnava già un nuovo punto di riferimento nel panorama artistico.

Nel 1427 era sicuramente a Venezia, mentre qualche anno dopo, nell'estate del 1430, è possibile che abbia visitato Roma, assieme e due ex- allievi, come lui, di Ghiberti, Donatello e Masolino. Con quest'ultimo forse collaborò al perduto ciclo di Uomini illustri in palazzo Orsini, oggi noto tramite una copia in miniatura di Leonardo da Besozzo. L'ipotesi si basa comunque solo su congetture, legate all'attrazione di artisti all'epoca del rinnovamento di Roma promosso da Martino V.

Il rientro a Firenze - Nel 1431 ritornò a Firenze, dove attese alle Storie della Genesi del Chiostro verde di Santa Maria Novella, le più antiche opere sicure pervenuteci dell'artista. In particolare dipinse il lunettone con la Creazione degli animali e creazione di Adamo e il riquadro sottostante della Creazione di Eva e Peccato originale, databili a quell'anno. In queste opere si può cogliere in alcuni particolari l'influenza di Masolino (la testa del serpente nel Peccato originale), mentre la severa figura del Padre Eterno ricorda Ghiberti.

L'opera dimostra però anche un primo contatto con le novità, in particolare di Masaccio, soprattutto nell'ispirazione per il corpo nudo di Adamo, pesante e monumentale, nonché anatomicamente proporzionato. In generale si manifesta già quella tendenza geometrizzante dell'artista, con le figure inscrividbili in cerchi e altre forme geometriche, fusa con reminescenze tardogotiche quali l'insistenza decorativa dei dettagli naturalistici.

L'artista lavorò poi a una seconda lunetta con riquadro sottostante (Diluvio e recessione delle acque e Storie di Noè) nel 1447-1448.

Al 1430 circa è attribuito il piccolo trittico con la Crocifissione, custodito al Metropolitan Museum of Art di New York, probabilmente realizzato per una cella del convento di Santa Maria del Paradiso a Firenze. Tra il 1430 e il 1440 realizzò per la pala della chiesa di San Bartolomeo (prima detta di San Michele Arcangelo) a Quarate, della quale resta solo la predella composta di tre scene con la Visione di san Giovanni a Patmos, l'Adorazione dei Magi e i Santi Giacomo il Maggiore e Ansano, custodita nel Museo diocesano di Santo Stefano al Ponte di Firenze.

Prato - Tra l'inverno 1435 e la primavera del 1436 iniziò gli affreschi nella Cappella dell'Assunta nel Duomo di Prato. A Paolo Uccello spettano una parte delle Storie della Vergine (Natività di Maria e Presentazione di Maria al Tempio) e delle Storie di santo Stefano (Disputa di santo Stefano e Martirio di santo Stefano, tranne la metà inferiore), oltre a quattro santi entro nicchie sui fianchi dell'arcone (San Girolamo, San Domenico, San Paolo e San Francesco) e il toccante Beato Jacopone da Todi sulla parete dietro l'altare, oggi staccato e conservato nel Museo civico.

Particolarmente significativa è la vertiginosa scalinata nella Presentazione di Maria al Tempio, dove si vede la veloce maturazione delle capacità di rappresentare elementi complessi nello spazio, anche se ancora non sono presenti i virtuosismi di pochi anni dopo.

Stilisticamente vicini agli affreschi sono la Santa monaca con due fanciulle della Collezione Contini Bonacossi, la Madonna col Bambino della National Gallery of Ireland e la Crocifissione del Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid

Grandi commissioni - Tornato a Firenze fu impegnato soprattutto nel cantiere di Santa Maria del Fiore. Nel 1436 vi affrescò il monumento equestre al condottiero Giovanni Acuto (John Hawkwood), eseguito in soli tre mesi e firmato con il suo nome sul basamento della statua. L'opera è a monocromo (o verdeterra), usato per dare l'impressione di una statua bronzea. Vi impiegò due diversi impianti prospettici, uno per la base e uno frontale per il cavallo ed il cavaliere. Le figure risultano curate, auliche, ben trattate volumetricamente tramite un'abile stesura di luci e ombre col chiaroscuro.

Nel 1437 fece un viaggio a Bologna, ove resta l'affresco della Natività nella prima cappella di sinistra della chiesa di San Martino.

Tra il 1438 e il 1440 (ma alcuni storici pongono la data nel 1456) realizzò i tre dipinti che celebrano la Battaglia di San Romano, nella quale i fiorentini, guidati da Niccolò Mauruzi da Tolentino sconfissero i senesi nel 1432. I tre pannelli, esposti fino al 1784 in una sala del palazzo Medici di via Larga, a Firenze, sono oggi dispersi separatamente in tre fra i più importanti musei d'Europa: la National Gallery di Londra (Niccolò da Tolentino alla testa dei fiorentini), gli Uffizi (Disarcionamento di Bernardino della Ciarda) e il Louvre di Parigi (Intervento decisivo a fianco dei fiorentini di Michele Attendolo), quest'ultimo forse realizzato in un momento successivo e firmato dall'artista. L'opera venne preparata con cura e restano vari disegni con cui l'artista studiò costruzioni geometriche in prospettiva particolarmente complesse: ne restano oggi sia agli Uffizi che al Louvre e si pensa che in questo studio fu probabilmente aiutato dal matematico Paolo Toscanelli.

Nel 1442 abbiamo il primo documento che attesta l'esistenza di una sua bottega.

Tra il 1443 e il 1445 eseguì per il Duomo di Firenze il quadrante del grande orologio della controfacciata e i cartoni per due delle vetrate della cupola (Resurrezione, eseguita dal vetraio Bernardo di Francesco, e Natività, realizzata da Angelo Lippi). In quegli stessi anni, per il chiostro dello Spedale di San Martino della Scala affrescò una lunetta con la Natività, oggi molto rovinata e nei depositi degli Uffizi assieme alla relativa sinopia.

Verso il 1447-1448 Paolo Uccello si trovava nuovamente impegnato negli affreschi nel Chiostro verde di Santa Maria Novella, in particolare nella lunetta con il Diluvio e recessione delle acque, nel quale si vede Noè uscire dall'arca, e sotto pannello con il Sacrificio e Ebbrezza di Noè. Nella lunetta adottò un duplice punto di fuga incrociato che accentuava, insieme all'irrealtà dei colori, la drammaticità dell'episodio: a sinistra si vede l'arca all'inizio del diluvio, a destra dopo il diluvio; Noè è presente sia nell'atto di prendere il ramoscello di ulivo, sia sulla terra ferma. Le figure diventano più piccole allontanandosi, e l'arca sembra arrivare all'infinito. Nei nudi si avvertiva l'influsso delle figure di Masaccio, mentre la ricchezza dei dettagli risentiva ancora del gusto tardogotico.

Nel 1447–1454 circa attese agli affreschi con Storie dei santi eremiti nel chiostro di San Miniato, solo in parte conservati.

Padova e rientro - Nel 1445 venne chiamato a Padova da Donatello, e qui realizzò nel palazzo Vitaliani affreschi con Giganti oggi perduti. Tornò a Firenze l'anno successivo. Datata tra il 1450 e il 1475 è la tavola con la Tebaide, tema largamente diffuso in quegli anni, e custodita alla Galleria dell'Accademia di Firenze.

Sposò Tommasa Malifici nel 1452 da cui ebbe due figlie. Di quell'anno è la tavola con un'Annunciazione oggi perduta di cui si conserva la predella con Cristo in pietà tra la Madonna e san Giovanni evangelista nel Museo di San Marco a Firenze. Al 1455 circa risale la tavola con San Giorgio e il drago della National Gallery di Londra.

Nel 1465 eseguì per Lorenzo di Matteo Morelli, una tavola con San Giorgio e il drago (Parigi, Museo Jacquemart André) e l'affresco con l' Incredulità di san Tommaso sulla facciata della chiesa di San Tommaso nel Mercato Vecchio (perduto).

Urbino e ultimi anni - In età ormai avanzata Paolo Uccello venne invitato da Federico da Montefeltro a Urbino, dove soggiornò dal 1465 al 1468, venendo coinvolto nella decorazione di Palazzo Ducale. Qui resta la predella con il Miracolo dell'Ostia profanata, commissionatagli dalla Compagnia del Corpus Domini, che venne poi completata da una grande pala di Giusto di Gand.

Probabilmente a questi anni appartiene la tavoletta con la Caccia notturna dell'Ashmolean Museum di Oxford.

Tornato a Firenze, morì il 10 dicembre 1475 e fu sepolto in Santo Spirito, il 12 dicembre. Lasciò molti disegni fra cui tre agli Uffizi con studi prospettici. In questo studio l'artista fu probabilmente affiancato dal matematico Paolo Toscanelli.

Stile - La caratteristica più appariscente delle opere della maturità di Paolo Uccello è l'ardita costruzione prospettica, che però, a differenza di Masaccio, non serve a dare ordine logico alla composizione, entro uno spazio finito e misurabile, ma piuttosto a creare scenografie fantastiche e visionarie, in spazi indefiniti. Il suo orizzonte culturale restò sempre legato alla cultura tardogotica, anche se interpretata con originalità.

Le opere della maturità sono contenute in una gabbia prospettica logica e geometrica, dove le figure sono considerate volumi, collocati in funzione di rispondenze matematiche e razionali, dove sono esclusi l'orizzonte naturale e quello dei sentimenti. L'effetto, ben percepibile in opere come la Battaglia di San Romano è quello di una serie di manichini che impersonano una scena con azioni congelate e sospese, ma proprio da questa imperscrutabile fissità nasce il carattere emblematico e onirico della sua pittura.

L'effetto fantastico è accentuato anche dall'uso di cieli e sfondi scuri, su cui risaltano luminose le figure, bloccate in posizioni innaturali

Fortuna critica - Vasari nelle Vite lodò la perfezione a cui Paolo Uccello aveva condotto l'arte della prospettiva, ma lo rimproverò di esservi dedicato "fuori misura", tralasciando lo studio della resa di figure umane e animali: «Paulo Uccello sarebbe stato il più leggiadro e capriccioso ingegno che avesse avuto, da Giotto in qua, l'arte della pittura se egli si fusse affaticato tanto nelle figure et animali, quanto egli si affaticò e perse tempo nelle cose di prospettiva».

Questa limitata visione critica venne difatto ripresa da tutti gli studiosi successivi fino al Cavalcaselle, che, sottolineando come lo studio scientifico della prospettiva non impoverisce l'espressione artistica, dette il via a una comprensione dell'arte di Paolo Uccello più completa e ragionata.

Tra gli studi successivi un problema spesso affrontato è stato quello dell'interpretazione della prospettiva frammentaria di alcune opere, secondo alcuni, come Parrochi, legato a una "non accettazione del sistema riduttivo della costruzione con punti di distanza applicata esemplarmente dall'architetto [Brubelleschi] nelle sue tavolette sperimentali". Forse però è più corretto parlare di una interpretazione personale di tali principi, piuttosto che di una vera e propria opposizione, all'insegna di un maggiore senso "astratto e fantastico" (Mario Salmi). Per Paolo la prospettiva rimase sempre uno strumento per collocare le cose nello spazio e non per rendere le cose reali, come è specialmente evidente in opere come il Diluvio Universale. Mantenendosi a metà strada tra mondo tardogotico e novità rinascimentali, Paolo Uccello fuse "antiche idealità e nuovi mezzi d'indagine" (Parronchi).

Diluvio e Recessione delle acque

Sacrifico e Ebrezza di Noè

La grande pittura di Paolo Uccello